Acrílicos

Las formas más comunes de colores acrílicos para uso artístico se basan en poliacrilatos y polimetacrilatos. Estos sirven para mexclar los pigementos a través de la dispersión. Laemulsión de polímero acrílico es soluble en agua, y cuando seca crea una película flexible, resistente al agua, que no amarillea.

Los colores de PVA basados en resinas de acetatos de polivinilo se encuentran generalmente en las gamas más economicas de pinturas de polímero. la mayoría de las resinas de PVA son resistentes a la luz, pero se amarillean un poco, aunque no tanto como con los aceites secantes en los sistemas de pintura al óleo.
Si se usan medios de PVA de calidad baja no se deben utilizar al aire libre porque se pueden empezar a desmenuzar (los pigmentos se desprenden de la superficie por la degradación ultravioleta de la película de pintura)

Los aspectos más importantes de la pintura acrílica son su versatilidad y permanencia. Permite trabajar con impasto o veladuras. Seca rápidamente y se scurece al secar. Lo podemos combinar con otras técnicas, como con óleo, "graso sobre magro".

Técnicas transparentes con acrílicos

Una de las ventajas que tiene es que una vez seca la capa se le pueden dar tantas como se desee sin ensuciar los colores de debajo, ya que al secarse el lavado no es soluble en agua. Sin embargo, no se pueden suavizar los contornos por su rapidez en secar, como ocurre con la acuarela.

Técnicas opacas con acrílicos

Esta pintura además de ser adecuado para los efectos transparentes, también los es para técnicas con colores opacos. A diferencia de esta misma técnica con óleo no tenemos por qué preocuparnos por manchar el color, pues seca en poco tiempo. Pero no permite fundir los tonos como con el óleo. Y como al secarse se oscurece puede resultar complicado combinar tonos en una superficie seca.

Fuente: El Manual del artista, Ray Smith

Bodegón blanco-negro

Texturas

No a los circos con animales

En los circos en los que utilizan animales existe otra realidad, oculta tras la alegría y el colorido de las carpas, un mundo de sufrimiento, privación y muerte.

¿ y la libertad?

Los animales que están en los circos son privados de la libertad, obligados a permanecer en jaulas de las que solo salen para realizar estúpidos trucos. En su habitat recorrería cientos de kilómetros cada día y estar en un lugar encerrados les aporta una tortura inimaginable.

En cuanto a los trucos, todas las horas de entrenamiento que tienen que padecer los animales les provocan transtornos psicológicos, por no entender el por qué de estos trucos y también físicos por la repetición de ejercicios incómodos y golpes continuos.

Transporte y confinamiento;

La vida de los animales en los circos está muy lejos de ser la apropiada, ya sea por sus propiedades. Al año un circo nómada puede estar de gira 9 o 10 meses. Los viajes, se convierten en verdadesras torturas para los animales, pueden durar semanas. En estos tienen que aguantar la falta de ventilación, de comida y de agua.

Enfermedades y muerte

El trato que reciben en los circos, la falta de ejercicio y socilización y los entrenamientos provocan en estos animales problemas psicológicos. Las consecuencias más frecuentes de estos trastornos se manifiestan en movimientos repetitivos de un lado a otro de la jaula, los golpes en la cabeza o automutilarse. Las cadenas y los latigazos son los responsables de los dolores físicos y las roturas de los mienbros. Por ejemplo, las patas de los elefantes se resienten mucho por las cadenas y por los ejercicios en los que les obligan a levantarse sobre sus patas traseras.
Cuando los animales se hacen mayores o estan enfermos son abandonados o matados. Otras vecesse venden a zoológicos, a colecciones privadas de animales exóticos o son donados a laboratorios.

La crueldad NO es entretenimiento

collage

Técnicas pictóricas

Pigmento. Material sólido de color en forma de pequeñas partículas separadas.

Dentro de los pigmentos nos encontramos con ltres grupos. Los pigmentos inorgánicos, que proceden de la tierra y los minerales. Los pigmentos orgánicos naturales de origen animal o vegetal. Y por último los pigmentos orgánicos sintéticos, que son fabricados en laboratorios. Éstos existen desde 1935.

Aglutinante. Sustancia que mantiene juntas las partículas de pigmento y que las sujeta al soporte, por ejemplo, el acete de linaza, la yema de huevo, la emulsión de resina acrílica, etc.

Pintura. Se llama así a la mezcla del pigmento con el aglutinante.

Soporte. Estructura (de madera, papel, metal, etc.) sobre la que se realiza la pintura.

Disolvente. Cualquier líquido en el que se puede dispersar un sólido para formar una solución.

Paleta. Superficie portátil para mezclar colores. Las paletas de mano se han utilizado desde el siglo XV, aunque han variado mucho desde entonces. Solían tener forma cuadrada y eran pequeñas. En el siglo XIX, se pusieron de moda las paletas grandes e iban empapadas de aceite de linaza. Hoy en día, las paletas van cubiertas de barnices de poliuretano o laca de celulosa.

Pincel. Herramienta que nos permite extender la pintura sobre el soporte. Consta de tres partes; el mango, normalmente de madera; la virola, parte metálica y el pelo.
Formas de los pinceles;
Pincel de abanico. Se utiliza para hacer una transición uniforme. También se utilizan para difuminar el pastel y el carboncillo.
Lengua de gato. Reune las ventajas del pincel plano y el redondo. Es adecuado para grandes superfícies y para detalles, permitiendo hacer contornos definidos.
Paletina. Pinceles anchos que se usan para dar color a grandes superfícies, dar barnices e imprimaciones.
Pincel plano. Todos los pinceles más o menos cuadrados insertos en virolas planas de llaman "planos". Pueden ser de pelo corto, para dar toques de color con óleo, o de pelo largo, que retienen la pintura suficiente para trazos largos.
Pincel redondo. Entre ellos están los pineceles estándar que acaban en punta.

paisaje

Esta abominación sin terminar es mi paisaje. Sobre un lienzo triangular intenté sin éxito reproducir la fotografía que había elegido. Después de estar un par de semanas trabajándolo, me desesperé y decidí comenzar de nuevo. Me hice una plantilla con la silueta del camello, la coloqué encima del soporte y me puse a darle otras capas al fondo.

Toda la imagen es muy cálida y con degradados muy suaves por lo que hay que hacerla mediante veladuras.

Cartas a Theo

Es un libro constituido por una serie de cartas que Van Gogh le escribió a su hermano Théo., mientras que se encontraba en Londres y otra ciudades de Europa. Más de ochocientas cartas en las que el artista cuenta su día a día, sentimientos, frustraciones, experiencias, amores, etcétera
Pero también describe su entorno, cómo lo ve, los paisajes, los campesinos, los colores.... Y menciona a diversos artistas como Rembrant, Goya, Renoir, Seurat, Delacroix entre otros. Théo, su diario también se convierte en su apoyo moral y económico.

Aquí pongo dos de las frases que más me han gustado y me han hecho reflexionar.

"Estoy empezando a asumir que la locura es una enfermedad como lo pueda ser cuarquier otra y lo acepto como tal"
"No te hagas impresionista exclusivo; ya que si se encuentra cierta calidad por otros caminos, debemos de estar atentos"

Bodegón de complementarios

El color que está justo en el frente opuesto del otro en el círculo cromático, es su color complementario.

Este trabajo ha sido el que más me ha costado de hacer porque no sabía muy bien cómo colocar los dos colores en el mismo objeto. Pero después de echarle horas y horas me fue saliendo, aunque no lo conseguí terminar y toda la tela sobre la que se apoyan los objetos está inacabada.

Ojo- cerebro

Nuestros ojos funcionan igual que una cámara de vídeo y nos permiten ver lo que tenemos a nuestro alrededor. La imágenes que se quedan grabadas en una película, en nosotros son guardadas y procesadas en el cerebro y se pueden integrar con los demás sentidos.

Antes de llegar a la retina, los estímulos luminosos tiene que pasar por una serie de estructuras y medios transparentes. La primera de esas capas es la cornea que cierra la cámara anterior del ojo. El iris es la menbrana pigmentada que ajusta el paso de la luz por la pupila a través de contracciones en sus músculos.

El cristalino es una lente convergente constituída por láminas, unida por ligamentos a la segunda capa del ojo o coroides. Los rayos de luz que entrar a la pupila son concentrados en la cornea y el cristalino para formar una imagen en la retina. Los fotorreceptores de la retina transforman la imagen en impulsos nerviosos que van al cerebro.

Las variaciones del tamaño del cristalino y del diametro pupilar es lo que nos permite enfocar objetos a distintas distancias del campo visual.
Las personas que tienen miopía tienen problemas para ver de lejos porque la imagen de los objetos se forma antes de la retina, por eso se tiene que acercar más al objeto, para hacer coincidir la imagen sobre la retina. Pero en la hipermetripía , las personas ven bien de lejos ya que la imagen se forma por detras de la retina y por eso tienen que alejarse del objeto.
En el astigmatismo, la imagen se proyecta en más de un sitio, delante o detrás de la retina, por eso la imagen no se ve con nitidez.
Estos defectos pueden corregirse a través de lentes artificiales, gafas o lentillas que van justo por delante de la lente biológica el cristalino, y permiten corregir de esta forma los defectos de enfoque de la imagen.

La retina está formda por diez capas de células nerviosas de las que solo una se estimula por los rayos de luz. Las células llamadas conos se estimulan normalmente durante el día y eso permite observar el color de la imagenes. Por la noche se estimulas los bastones y por eso vemos los objetos en blanco y negro.
No todos los animales poseen conos y bastones, la mayoría ve en blanco y negro y diferencian los objetos por los diferentes tonos de grises. Solo algunos primates distinguen colores.
La estimulación de los conos y bastones se raduce en impulsos nerviosos que van hacia las áreas visuales del cerebro, donde se ve la imagen en la posición original.

Bachillerato Artístico

Estos fueron algunos de los ejercicios que realicé hace dos años, cuando cursaba segundo de bachillerato. Están hechos con carboncillo en Ingrés de 50x70cm. Estos bodegones fueron mi primer contacto con este material.


Los otros tres dibujos los hice por mi cuenta con plumilla y tinta china. Tuvimos una clase de teoría en clase de dibujo artístico, en la que nos nombraron los diferentes materiales y técnicas, y sentí curiosidad por las plumillas, así que me compré unos cuantos tinteros y comencé a probar en mi casa. Esto fue lo que me salió, con muchos errores, pues comencé directamente con la tinta y no pude borrarla cuando me confundí. Por ejemplo, el primer estudio tiene otra línea por donde comencé a hacer la pierna.

Fundación Mapfre

Impresionismo.
Un nuevo renacimiento

El Impresionismo supone un nuevo Renacimiento. Tiene como principal objetivo la plasmación de las impresiones recibidas por el artista en su contemplación de la naturaleza. Los impresionistas abandonaron todos los convencionalismos de formales de la pintura y pasaron a pintar al aire libre, copiando directamente de la naturaleza y centrándose en la plasmación de los efectos de luz y color. Se abandona el dibujo y sus bases se establecen sobre las manchas de color.

El principal precursor del impresionismo fue Manet, aunque nunca expuso con ellos y siempre trató de ocupar un lugar relevante en el Salón de París donde solía mostrar sus creaciones.

Batignoles era el barrio en el que vivía Manet y gran parte de los futuros maestros del impresionismo. Henri Fantin-Latuor, amigo de todos ellos pero cultivador de un realismo lírico estadísticamente más próximo a Gustav Courbet, fue testigo de su eclosión como grupo de vanguardia, tal como manifiesta en un taller en Batignolles (1870). En torno a Manet se reúne un grupo de jóvenes artistas con innovadores ideas, como Pierre-Auguste Renoir, Frédéric Bazille y Claude Monet, acompañados de los portavoces de la renovación pictórica como Zacharie Astruc y Émile Zola. Expuesto en el Salón de París de 1870, el cuadro significa una reivindicación de Manet.
Una y otra vez, las obras de los impresionistas eran rechazadas en el Salón de París, organizado por la Academia de Bellas Artes desde 1725. Las puertas del Salón también estuvieron abiertas para el realismo que, desde mediados del siglo XIX, iba desplazando poco a poco a los románticos.

La historia del impresionismo está presente en esta exposición a través de las obras imprescindibles. Claude Monet es el artista más competente, tal y como ponen de manifiesto La estación de Saint-Lazare, las barcas. Regatas en Argenteuil o la Rue Montorgueil de París. Fiesta del 30 de junio de 1878.

Pierre-Auguste Renoir aparece como un artista más sensual, más delicado en sus retratos, como se puede apreciar en El columpio. Alfred Sisley destaca por su gran rigor compositivo, (La nieve en Louveciennes, barca durante la inundación). Berthe Morisot que participó en la primera exposición impresionista de 1874, resume con La cuna el lugar que comienzan a reclamar las mujeres artistas.

Camile Pisarro y Paul Cézanne enfatizan la solidez estructural de los elementos de sus obras. Cézanne aprendió junto Pisarro lo que significaba el impresionismo.

Frente a la renovación estilística de Monet, Renoir o Cézanne, Edgar Degas captura la del clasicismo. Se apoya en una estética fragmentaria con la que consigue representar un instante de la vida moderna. Los hipódromos, las representaciones de ballet, las mujeres en la intimidad o los retratos de la burguesía triunfante se convierten en los asuntos principales en sus obras.

Colección Carmen Thyssen-Bornemisza

La ruta por este museo va desde las obras del siglo XIII hasta las de XX. Pasando por las escuelas pictóricas occidentales (Renacimiento, Manierismo, Romanticismo..) hasta llegar al Pop Art. También encontramos cuadros del impresionismo, del fauvismo, del expresionismo alemán y de las Vanguardias.

Mark Rothko
Nació en Rusia pero se trasladó a Oregón con su familia en 1910. En 1924 estudió en la Art Students League de Nueva York. Y ejerció de profesor de arte en algunos centros de Nueva York. Se le suele unir al grupo de expresionismo abstracto, aunque su obra de aleja de la gestualidad y espontaneidad de estos.
La mayoría de sus cuadros tomaron formas rectangulares coloresados a través de finas veladuras de color yuxtapuestas.
Sus ultimas obras reflejan la profunda depresión en la que se encontaraba, con tonalidades negras. En 1970 acaba suicidándose.

Autorretrato interpretativo

Autorretrato

CaixaForum

No tengo ninguna fotografía en la entrada porque era yo quien las echaba.

Exposición del 6 de noviembre de 2009 al 28 de febrero de 2010.

"Maternidades" es un proyecto compuesto por un muestrario de fotografías instantáneas hechas en todas partes del mundo, en las que aparecen una madre y su hijo. Estas imágenes iban unidas a un texto que explicaba la situación en que se encuentran esas mujeres.

Aunque las fotografías estén tomadas en lugares con guerras, enfermedades, pobreza, hambre, lo que muestran son la belleza y el amor entre la madre y el hijo.

Imagen 1. Dame un beso. Aparece una madre joven con su hija recién nacida, distante a lo que le rodea.

Esta exposición me gustó mucho porque muestra el amor entre una madre y un hijo por encima de todo. Aunque estén en una situación extrema, tienen esperanza.

Palladio, el arquitecto


" Estoy seguro de que me considerarán afortunado... por haber encontrado caballeros de mente tan noble y generosa y tan excelente criterio que han atendido mis razonamientos y abandonado ese anticuado modo de construir sin ninguna gracia ni belleza en absoluto"

Palladio cultivó la arquitectura como una profesión e gran relevancia. Juntó teoria y práctica en publicaciones y edificios como ningún otro arquitecto del Renacimiento.

Democratizó la arquitectura al reivindicar el valor de las edificaciones domésticas, considerando que granjas, granjeros y puentes eran obras tan valiosas como las iglesia y los palacios.

A través de más de 180 obras (maquetas a gran escala, dibujos, proyecciones, lienzos y libros) la exposición recorre la evolución de Palladio desde sus tiempos de cantero en Padua hasta convertirse en el arquitecto preferido del pratriarcado de Vicenza y Venecia.
Esta exposición también explora la influencia que ha ejercido en las posteriores generaciones de arquitectos europeos.

Hannah Collins

Historia en curso. Películas y fotografías.
Se dio a conocer como artista en el género de la fotografía. Sus temas giran entorno a la fugacidad de la vida moderna, la interrelación entre memoria e historia y la voluntad de expresar estas experiencias intangibles a través de las imágenes.


Fuente; panfletos de Caixa Forum
imágenes sacadas de Internet

Retrato de Giacometti

Nació en Suiza en 1901 y murió en 1966. Su padre, Giovanni Giacometti fue pintor impresionista y su padrino Cuno Amiet fue fauvista.

Estudió pintura, dibujo y escultura en la Escuela de Bellas Artes de Ginebra, y en 1922 se trasladó a París para estudiar en la Académie de la Grande Chaumière en Montparnasse. Entró en contacto con el cubismo y con el surrealismo. Y a partir de 1927, cuando su hermano Diego se convirtió en su ayudante, comenzó a exponer sus esculturas surrealistas en el salón de las Tullerías. En Montparnasse conoció a artistas como Joan Miró, Max Ernst y Pablo Picasso.

Entre 1935 y 1940, Giacometti centró su atención en esculpir cabezas, sobretodo en la mirada de éstas. Su siguiente etapa artística fue la estilización de las figuras.

Durante la Segunda Guerra Mundial vivió en Ginebra, donde conoció a Annette Arm. En el 46 regresaron a París, y tras su boda comenzó su fase artística más fructífera. A partir de los 50, empezó a trabajar con bronce, ya que se había convertido en un material accesible. En 1962 recibió el gran premio de escultiura de la Bienal de Venecia.

Retrato de Giacometti

El libro está escrito por James Lord, durante las dieciocho sesiones que posó para Giacometti. A escondidas iba apuntando el día a día con el artista, para más tarde redactar el libro. A través de él, tenemos una idea más cercana de la personalidad del artista. James Lord nos va contando las conversaciones que tienen, descubriéndonos las ideas, pensamientos e inquietudes de Giacometti.
Alberto Giacometti, es un hombre contradictorio, que pelea el retrato sin cansancio, haciéndolo y deshaciéndolo un día tras otro. Sin embargo, hay momentos en que ve todo mucho más claro, y se ve más cerca de la obra final.
A lo largo del libro, el artista nombra a otros pintores con los que se identifica, como Cézanne.

Martha Saudek

He estado ojeando un libro de pintura y he encontrado una obra de Martha Saudek que me ha parecido muy interesante. Nunca había oído hablar de esta artista pero las obras que he encontrado me han gustado mucho. Os pongo algunas de las más hermosas para que les echéis un ojo, aunque no he conseguido la del libro (era muy buena). Es fascinante la forma con la que capta la luz.


Martha Saudek (California) empezó a pintar con solo cinco años de edad. Estudió pintura en la UCLA y en el instituto de arte de California, donde actualmente da clases de pintura al óleo. En 1992 fue premiada por Artista Magazine.

bibliografía: http://google.es/search?hl=es&q=martha+saudek+&btnG=buscar=meta=&aq=f&oq=